De 'Hable con ella' a 'La habitación del pánico': 15 pelis que cumplen 20 años en 2022

Incomprendida desde el mismo día de su estreno, 'Gangs of New York' ha necesitado que pase el siempre sabio tiempo para colocarse, con firmeza, entre los mejores trabajos de Martin Scorsese. Nunca sabremos hasta qué punto las expectativas le hicieron daño en su momento, pero está claro que esta cinta ambientada en un sangriento, helado y visceral Nueva York de 1863 nació con pretensiones de convertirse en La Gran Obra Maestra De Scorsese.

Y lo tenía todo, historia, ambientación, personajes y una trama repleta de los elementos esenciales que recorren los trabajos más memorables del cineasta. Y cumplía con todo. De acuerdo, se nota en algunas ocasiones más de la cuenta la batalla campal en la que se convirtió su montaje, pero 'Gangs of New York' respira tanto cine en cada uno de sus planos que, finalmente, es imperfectamente perfecta. Deslumbrante, gigantesca, furiosa, inabarcable.

Partiendo de la más que recomendable novela firmada por Michael Cunningham, Stephen Daldry mantuvo el tremendo listón dejado por su debut cinematográfico, 'Billy Elliot (Quiero bailar)', con la extraordinaria 'Las horas'. Apoyado en un reparto de auténtica altura formado por una oscarizada Nicole Kidman, las maravillosas Julianne Moore y Meryl Streep y un inolvidable Ed Harris, el cineasta británico encontró aquí un equilibrio casi perfecto entre clasicismo y solemnidad, dramatismo y sensibilidad, exquisitez y épica emocional. En definitiva, una película muy parecida a una obra maestra.

Broadway lleva celebrando esta historia vibrante, sexy y memorable llamado 'Chicago' desde 1996. Es decir, un dato histórico que lo sitúa en el segundo puesto de la lista de espectáculos de mayor permanencia en cartel con más de 8.000 funciones hasta la fecha, una cifra que se complementa con su tremendo éxito en Londres, donde se representó durante 15 años, convirtiéndose así en el musical americano que más tiempo ha aguantado en cartel en la historia del West End.

Un reconocimiento absoluto que se mantuvo intacto tras su paso a la gran pantalla en 2002 gracias a una adaptación dirigida con fantástico sentido del ritmo cinematográfico por un Rob Marshall que conseguía atrapar al espectador de una manera tan convincente que casi le llevaba a poder oler las tablas del teatro y un reparto entregadísimo a la vibrante causa. Por su parte, la Academia también se rindió ante ella, convirtiéndola en la gran triunfadora de los Oscar con 6 estatuillas, incluyendo Mejor Película.

El nombre de Douglas Sirk siempre se nos viene a la cabeza a la hora de hablar y analizar el cine de Todd Haynes. No es extraño, para nada, ya que hablamos de una influencia, tanto formal como de contenido, que ha acompañado dos de los trabajos más representativos y logrados del cineasta: 'Carol' y 'Lejos del cielo'. Centrándonos en esta última propuesta, Haynes alcanzó al maestro, adquiriendo la misma estatura, con una película que va mucho más allá de su fascinante y cautivador acabado visual para contar una historia marcada por el engaño, la soledad y los prejuicios de una sociedad que lleva la intolerancia por bandera.

Julianne Moore, en otra de esas interpretaciones memorables marca de la casa, carga con el peso de una obra cuyo clasicismo exacerbado se combina a la perfección con los siempre atrevidos giros narrativos que son seña de identidad de la carrera de Haynes. Un director que, con 'Lejos del cielo', consiguió el beneplácito unánime de crítica y público. Un logro bien merecido que terminaba de redondear el maravilloso viaje de una película de una delicadeza arrebatadora.

Hace unos años, Pedro Almodóvar confesaba en una entrevista con Iñaki Gabilondo que a la hora de enfrentarse a 'Hable con ella' sabía que se trataba de un material altamente combustible, muy delicado. No se equivocaba lo más mínimo. Al mismo tiempo, el director admite, de manera muy acertada, que es imposible, en pleno proceso creativo, plantearte constantemente la manera en la que algún espectador puede sentirse ante tu historia. Y esa libertad, ese tacto, esa elegancia, se dan cita en una película que, al igual que ocurrió con su predecesora 'Todo sobre mi madre', recibió respuestas entusiastas desde su llegada a las carteleras de medio mundo, así como multitud de premios. Sí, con Oscar consecutivo incluido, en esta ocasión a Mejor Guion Original.

Un reconocimiento histórico para una película que se enfrentaba a sus múltiples riesgos a pecho descubierto, con pasión comedida y un personaje central, el Benigno interpretado por un maravilloso Javier Cámara, que sigue siendo uno de los grandes logros de su cine. La madurez del universo Almodóvar era un hecho.

La tentación después de ver, otra vez, 'La habitación del pánico', la película más infravalorada de la impecable trayectoria de David Fincher, es la de quedarse con el virtuosismo de la deslumbrante dirección, un acabado formal que parece eclipsar todo lo demás y que, por cierto, se ha descubierto en los últimos años como importante fuente de influencia dentro del género.

En cualquier caso, si aprendemos a combinar el fondo con la forma, nos encontraremos con dos personajes femeninos de indudable fuerza, una madre y una hija interpretadas por Jodie Foster y Kristen Stewart con una convicción y entrega a prueba de balas. Un reflejo de la protección materna por encima de todas las cosas, cuidando y defendiendo el reino de lo que es suyo y jamás se le podrá quitar. Todo lo demás es secundario. Y hasta Fincher lo sabe.

Aquellas personas que dudaban de si cabía o no toda una vida en la mirada de unos actores, dejaron de hacerlo tras el estreno de 'Los lunes al sol'. Los ojos de Javier Bardem y Luis Tosar eran la respuesta más contundente y emocionante, una certeza absoluta de inmensidad dramática y naturalidad interpretativa. Un equilibrio perfecto a la altura de una película escrita y dirigida por un Fernando León de Aranoa que nunca ha estado más inspirado, ni antes ni después. Sigue haciendo reír, sigue haciendo llorar, sigue cabreando y sigue recomponiendo los pedazos que deja por el camino. Matrícula de honor.

Tres meses después (¡!) de que 'Minority Report' llegara a las carteleras de nuestro país, Steven Spielberg regresaba con 'Atrápame si puedes', una película que se situaba en el extremo contrario de la cinta futurista protagonizada por Tom Cruise. Obras distantes en el tono, esencia, género y naturaleza, sí, pero unidas por la inspiración absoluta de su autor. Basada en la apasionante historia real de Frank W. Abagnale, un estafador/camaleón que tuvo a la FBI absolutamente desquiciada en su búsqueda y captura, 'Atrápame si puedes' funcionaba de forma sobresaliente en todos y cada uno de sus niveles.

Era un melodrama familiar con toques de comedia clásica sin dejar de ser, al mismo tiempo, un thriller de persecución en la que el juego entre el ratón, excelente Leonardo DiCaprio, y el gato, soberbio, una vez más, Tom Hanks, mantenía al espectador en vilo durante 140 minutos que solamente se hacían ligeramente cuesta arriba en su extenso epílogo. En cualquier caso, se trata de un defecto minúsculo dentro de una obra de fascinante factura y perfecto sentido del ritmo. Para muchos, una de las grandes obras olvidadas de la carrera de su director. Para (casi) todos, una gran película. Ni más ni muchísimo menos.

Dos años después de la notable 'X-Men' y uno antes de su soberbia secuela ('X-Men 2'), Sam Raimi convertía a 'Spider-Man' en un nuevo éxito rotundo para los superhéroes cinematográficos. Una victoria comercial y crítica más que merecida para una de esas historias de orígenes que, antes de convertirse en puro piloto automático, desprendían un entusiasmo y una energía contagiosa, fruto directo de una curiosidad absoluta por parte del espectador.

Por funcionar, hasta Tobey Maguire lo hacía como improbable Peter Parker en esta primera entrega arácnida que asentaba los pilares sobre los que se construiría su imponente continuación con suma inteligencia, espectacularidad visual, dosis exactas de comedia y sorprendente capacidad para generar imágenes icónicas. Un punto de partida tan ejemplar como imprescindible para los amantes del género.

Un año después de triunfar en términos comerciales y artísticos con 'Harry Potter y la piedra filosofal', Chris Columbus proponía un nuevo viaje a Hogwarts con 'Harry Potter y la cámara secreta', la primera secuela de una franquicia que necesitó solamente una película para asentarse como fija en la lista de grandes éxitos cinematográficos de la historia. Sin embargo, esta continuación de las aventuras de Harry, Ron, Hermione y compañía cometía en la pantalla el mismo error que, por otro lado, ya podíamos encontrar en las páginas originales escritas por J.K. Rowling.

Y es que, tanto el libro como la película, no terminaban de acertar del todo a la hora de equilibrar sus componentes más lúdicos e inocentes con los elementos oscuros, adultos y complejos que terminaron marcando la saga a partir de la posterior y excelente 'Harry Potter y el prisionero de Azkaban'. En lo que respecta a la cinta de Columbus, tampoco ayudaba nada su excesiva duración, 154 minutos, sus serios problemas para arrancar la historia y, por encima de todo, el piloto automático demostrado por el cineasta, incapaz de repetir esa sensación de asombro casi omnipresente en la primera entrega.

Si tu primera película se ha convertido en un clásico dentro de esa mezcla perfecta entre la comedia y el drama, ¿qué puedes hacer a continuación? Doblar la apuesta e intentar innovar, aportar cosas diferentes, a un género tan manido como el cine negro centrado en familias de mafiosos. Algunas de las obras maestras más importantes de la historia del cine usaron este universo para profundizar en la psicología de unos personajes de marca Shakespeare con los que, más allá de los tiroteos y maleteros de coche, podíamos sentirnos identificados. Sus miedos no distaban demasiado de los nuestros y su defensa de la familia va implícita en nuestra sociedad desde el principio de los tiempos. Son elementos básicos, elementales a una forma de ser que el cine acompañó con atmósferas oscuras, habitaciones a media luz y ofertas que no podrás rechazar.

Sam Mendes aceptó el reto y se puso manos a la obra con 'Camino a la perdición', su segunda película. Y su segundo triunfo. El director británico se centró en la novela gráfica homónima escrita por Max Allan Collins, que a su vez estaba basada en el manga 'Lone Wolf and Club', para dar forma a una historia de violencia, amor y, por encima de todo, relaciones padre e hijo, repleta de escenas para el recuerdo y una capacidad deslumbrante para unificar en un mismo discurso cinematográfico el aroma de sus grandes referentes y el mejor cine contemporáneo. El ayer y el pasado mañana. La magnífica historia hacía el resto, al igual que un reparto que contaba con dos recitales para el recuerdo de Tom Hanks y Paul Newman. Un conjunto de virtudes entre los que brilla con especial intensidad, una vez más, la dirección de un Mendes obsesionado con el mimo a los pequeños detalles dentro de las grandes tragedias. Su puesta en escena, su pulso pausado y, al mismo tiempo, intensísimo, no nos permite apartar la mirada hacia una película que, con el paso del tiempo, ha confirmado lo que ya se intuía hace trece años. Ser uno de los grandes clásicos del género.

La particular revisión de 'E.T., el extraterrestre' de Disney se llama 'Lilo y Stich' y es una de las grandes películas firmadas por el estudio en lo que llevamos de siglo. Una propuesta que encuentra en su sencillez, humildad y encanto sus mayores fortalezas. Eso, claro, y una pareja protagonista imposible de olvidar. Sumemos una maravillosa banda sonora adornada con canciones inoxidables de Elvis Presley, unas gotas de melodrama familiar de las que es imposible escapar sin lágrimas en los ojos y unos gags que funcionan a la perfección, del primero al último, y las cuentas son claras: ¡Viva 'Lilo y Stich'!

Después del brutal fenómeno que han supuesto películas como 'El Gran Showman' o 'La ciudad de las estrellas: La La Land', tan merecidos como justificados, probar suerte con un musical parece mucho menos suicida que de costumbre. Sin embargo, en 2002, no todo era tan positivo. Digamos que el género no pasaba por un momento tan dulce como para pensar que una comedia romántica de enredos entre varias parejas con una docena de números musicales, es decir, 'El otro lado de la cama', se convertiría en la película del año en nuestro país. ¿Lo mejor de todo? Se lo merecía.

El director Emilio Martínez-Lázaro, que estará de nuevo en esta lista, estaba al frente de una propuesta suicida que solamente tenía dos salidas: muy bien o muy mal. Por fortuna, la balanza se decantó por lo positivo y 'El otro lado de la cama' era una de esas películas en las que todo fluye con envidiable naturalidad, una comedia en la que cada situación acaba en sonrisa cómplice o carcajada y en la que un reparto, sin excepción, brilla a lo grande. Ni una duda, todavía hoy sigue siendo una delicia disfrutar de ella.

Después de estrenar una obra maestra tan maravillosa como infravalorada, 'A.I. Inteligencia Artificial', Steven Spielberg volvía al género de la ciencia ficción con esta adaptación de una historia de Philip K. Dick con la que el cineasta encontró una excusa perfecta para rendir homenaje al cine negro más clásico y reconocible.

Por supuesto que tenemos escenas de acción vibrantes, una trama trepidante repleta de giros y un Tom Cruise entregando el cuerpo y el alma en cada escena, pero por encima de todo, 'Minority Report' es una historia de detectives, engaños y crímenes (resueltos) por resolver. Una combinación a la que Spielberg aportó dosis industriales de talento visual, perfección técnica y sentido del ritmo que terminaron por dar forma a una de las grandes películas de su filmografía.